(Chris Gorak – USA/Russia 2011)

L’Ora Nera ha un suo fascino. Sarà per gli scorci di una Mosca bellissima e deserta (le metropoli disabitate danno sempre un brivido, pensate alla scena finale de L’Avvocato Del Diavolo o a Io Sono Leggenda), sarà per il concept dell’alieno rappresentato come un grumo di luce, sarà per la questione delle lampadine che si accendono in presenza dell’invasore: premesse accattivanti per un action movie fantascientifico. Anche il gruppo di sopravvissuti funziona: i migliori amici (Hirsch, Minghella), le migliori amiche (Thirlby e Taylor) e uno svedese cattivo che si capisce subito debba morire per primo. Il film si tiene in piedi piuttosto bene finché non c’è uno scopo. Poi arriva uno scienziato russo che ha scoperto che con una gabbia di Faraday (wikipedia) è possibile scampare al radar alieno. Da qui le congetture scientifiche, la fisica for dummies e degli improbabili cannoni  fai-da-te spara microonde lanciano la trama nell’infinito nonsense. Gli alieni non fanno più paura (e quando non sono luce sono fatti anche malino), i russi sembrano un popolo di bifolchi e lo scopo della missione (trovare un sottomarino) non mi è parso particolarmente intelligente. Sei e mezzo per l’impegno e la presenza di Emile Hirsch che merita sempre fiducia. Il finale sembra aperto… ma un seguito proprio non lo capirei.

(Lone Scherfig – USA/UK 2011)

Non tutte le buone idee che fanno di un romanzo una lettura imperdibile riescono col buco, cinematograficamente parlando: in questo caso è il raccontare lo stesso giorno (il 15 luglio) nel corso degli anni dei due protagonisti. Con una struttura a “episodi” mi viene in mente La Moglie Dell’Uomo Che Viaggiava nel Tempo: profusione di lacrime per un’avvincente storia impossibile il libro, il film sfiora invece il ridicolo. Pur non avendo letto Un Giorno di Nicholls (ce l’ho il lingua originale sullo scaffale, intonso: vale comunque?), ne ho sentito tanto parlare. Bene, io che mi sono commosso persino con La Casa Sul Lago Del Tempo non ho versato neanche una lacrima. Anzi, l’ho trovato quasi fastidioso. Voglio dire, la Hathaway e  Sturgess si amano da sempre ma da sempre c’è qualcosa fra di loro e si rimbalzano di anno in anno fingendosi amici. Ogni santa volta. Da semplici incompresioni ai drammi della vita. Allora dico: ma ascoltare i segni? Incapponirsi porta sempre a conseguenze nefaste pur quando si conquista finalmente l’obiettivo. Ecco appunto. Probabilmente il romanzo riesce a dare a questa storia semplice, comune, fatta di quotidianità e di problemi quel giusto allure di romanticismo. La regista di An Education lascia in bocca un vago sapore di triste compatimento. E uno spoiler come ultimo appunto: Meg Ryan e i suoi giri in bicicletta non vi hanno insegnato nulla?

Trailer

(Tinker Tailor Soldier Spy, Thomas Alfredson, Gran Bretagna 2011)

Una tendenza andata rafforzandosi negli ultimi anni è quella di considerare le spy stories quasi un sottogenere del film d’azione: pensiamo a Mission: Impossible, alla saga di Jason Bourne, o al classico 007 che con tutta la sua eleganza british non può sottrarsi ad esplosioni, inseguimenti, scazzottate. Se invece conoscete i film tratti dai romanzi di John Le Carrè (a memoria cito almeno Il sarto di Panama, The Constant Gardener, La spia che venne dal freddo) avrete senz’altro presente anche il lato meno entusiasmante del lavoro della spia: lunghe e noiose ore a sfogliare scartoffie, registrare telefonate, decifrare codici e raccogliere informazioni… il che forse spiega perchè questi film, per quanto ben riusciti, hanno avuto meno successo di pubblico rispetto a quelli, più glamour e movimentati, ispirati ai lavori di Fleming o Ludlum. Ma non lasciatevi intimorire: vi perdereste davvero un pezzo di bravura se non andaste a vedere La Talpa, che riunisce dietro la macchina da presa il regista svedese Thomas Alfredson e il suo direttore della fotografia Hoyte von Hoytema, ai quali dobbiamo già lo splendido Lasciami Entrare. Al centro delle vicende troviamo George Smiley, personaggio ricorrente dei romanzi di Le Carrè: un tempo eminenza grigia del Circus (nomignolo che indica i piani alti dei servizi segreti inglesi), Smiley è costretto a dimettersi assieme al “grande capo” Controllo in seguito al fallimento di un’operazione in Ungheria, salvo venir richiamato in servizio per smascherare un agente doppiogiochista al soldo dei sovietici. Siamo negli anni ’70, nell’ultima decade della Guerra Fredda; Smiley non può fidarsi degli ex colleghi e deve avvalersi unicamente del proprio ingegno e dell’aiuto del braccio destro Peter Guillam per scoprire l’identità del traditore e combattere i fantasmi del proprio passato. Senza timori reverenziali nei confronti dell’amatissima miniserie di produzione BBC con Sir Alec Guinness, Alfredson confeziona un intenso e sofisticato spy thriller, riducendo all’essenziale il complicato romanzo di Le Carrè (ma il plot resta densissimo – occhio ai colpi di scena!) e confermando lo sguardo elegante, suggestivo e penetrante già mostrato nel suo film d’esordio. Celato dietro al caratteristico impermeabile e agli immancabili fondi di bottiglia, Gary Oldman giganteggia nel ruolo di Smiley: acuto, solenne, per lo più impassibile, laconico e misurato nei gesti, nelle espressioni e nelle parole, Oldman si veste del suo personaggio come di una seconda pelle, reinventandosi ancora una volta e confermandosi come uno degli attori più sottovalutati dei nostri tempi. Ad affiancarlo, una eccezionale schiera di comprimari: c’è l’imbarazzo della scelta tra il premio Oscar Colin Firth, Ciàran Hinds, Toby Jones, Mark Strong e John Hurt, ma a spiccare trovo che siano Benedict Cumberbatch e Tom Hardy. Il primo, amatissimo Sherlock televisivo, dà vita ad un Guillam tormentato tra l’incrollabile fiducia in Smiley e le implicazioni morali del suo compito; il secondo, sulla via della consacrazione, tratteggia con abilità il lato più fragile dell’ambiguo Ricki Tarr, motore della storia. Ma protagonista del film, quanto e forse più degli stessi personaggi, sembra essere – letteralmente – l’atmosfera orchestrata da Alfredson e i suoi collaboratori: La Talpa “vive” del ticchettio delle macchine da scrivere, del fruscio dei documenti, del grigiore londinese, del fumo, della polvere sui mobili, del frusciare dei vestiti, della opprimente geometria degli ambienti; ricchezza e perfezione visiva (e sonora: impeccabili le composizioni di Alberto Iglesias) a corollario di intrighi criptici ed ideali smarriti, finestra su un mondo in decadenza (stava per iniziare la graduale distensione tra Occidente ed Unione Sovietica) di cui i “piccoli uomini grigi” di Le Carrè sono gli ultimi baluardi.

(Clint Eastwood, USA 2011)

Gioite! Anche gli americani hanno il loro cinepanettone. Noi cambiamo le località, loro le festività (quest’anno il 31 dicembre, l’anno scorso fu S. Valentino); entrambi mescoliamo alla buona giovani attori e star decadenti alla caccia di un buon assegno; zero risate, zero trama, mille personaggi, filo conduttore risibile.. però loro se non altro evitano le volgarità (a meno che si possa ritenere volgare la partecipazione a questo genere di film da parte di gente come Robert De Niro e Michelle Pfeiffer – aha!). Votato al product placement più che all’intrattenimento, Capodanno a New York è un perfetto esempio della valenza negativa della parola Hollywood. Ci sarebbe di che aver paura per il futuro; per fortuna che il 4 luglio e il “giorno della marmotta” sono già presi…

Avete mai lasciato in giro per casa uno spillo o una graffetta senza più ritrovarli? Vi siete arrovellati per ore cercando di ricordarvi dove avete appoggiato, che so, un rotolo di scotch quasi finito? Forse non li avete persi… potrebbero essere stati “presi in prestito” da una famiglia di microscopici esserini che vivono sotto le assi del pavimento: proprio come la giovanissima Arrietty e la sua famiglia, che hanno eletto a propria dimora una grande casa di campagna semi-disabitata. Lo spirito avventuroso di Arrietty la porta a violare l’unica regola dei “prendi-in-prestito”, ovvero quella di non farsi mai vedere dagli esseri umani: a sbirciare la minuscola ragazza durante una scorribanda in giardino è l’adolescente umano Sho, portato dalla zia a vivere nella casa per evitargli stress e fatica in vista di una decisiva operazione chirurgica al cuore. Tra Sho, reso malinconico e solitario dalla malattia, e la piccola Arrietty, fatalmente incuriosita dal mondo degli umani, si instaura un delicato rapporto, inizialmente furtivo e mano a mano più profondo. Ultima fatica dello Studio Ghibli, con il nume tutelare Hayao Miyazaki che sceneggia e produce lasciando la regia al giovane animatore Hiromasa Yonebayashi, Arrietty instaura alcuni dei temi cari a Miyazaki, dal rispetto per la diversità all’attenzione per i dettagli della natura fino all’innocenza infantile, sulla base occidentale della serie di romanzi The Borrowers dell’inglese Mary Norton. Il risultato, come sempre, è un incanto cinematografico a cui è difficile resistere: la narrazione è fluida, alcune idee eccellenti (ad esempio i modi fantasiosi dei “prendi-in-prestito” di riutilizzare gli oggetti degli umani, che mi hanno ricordato l’ultimo Jeunet), e un valore aggiunto è dato dal bel lavoro di sound design e dal tema musicale di Cécile Corbel; peccato che il tutto rimanga abbastanza in superficie, e che Yonebayashi, al debutto come regista dopo aver collaborato a Ponyo, Il castello errante di Howl e La città incantata, abbia ancora da imparare. Ma rimane un must-see per gli appassionati dello studio d’animazione nipponico e per i bambini di tutte le età.

I rischi nell’adattare un romanzo per il cinema, già di per sè consistenti, se possibile triplicano quando il libro in questione è un classico immortale, come nel caso del celeberrimo e complesso capolavoro di Charlotte Bronte. Generazioni di lettori hanno amato la povera istitutrice Jane, sofferto per le crudeltà da lei subite e trepidato per la storia d’amore con Edward Rochester, e da ogni trasposizione delle vicende dell’eroina vittoriana si aspettano determinate scene, determinate emozioni, determinate battute recitate al momento giusto. Il pubblico italiano ha probabilmente ancora in mente la sontuosa ma esangue versione di Zeffirelli; quello un po’ più in là con gli anni ricorda Orson Welles e Joan Fontaine, strepitosi nel film del ’34; altri guardano con reverenza alle acclamate miniserie televisive del ’73 o del 2006. Questa nuova, ennesima versione farà probabilmente storcere il naso a qualche appassionato ma è, a mio parere, la più coraggiosa vista fin qui: diretta con veemente energia dall’americano con sangue nipponico Cary Fukunaga, Jane Eyre versione 2011 è un perfetto esempio di come adattare ed interpretare un classico senza timori reverenziali ed infondendo vigore ad una storia raccontata già mille volte. La sceneggiatura di Moira Buffini segue un approccio non lineare, rimescolando la narrazione, sfrondando – naturalmente – qua e là ma mantenendo la giusta attenzione per i tanti motivi toccati dalla Bronte; Fukunaga, dal canto suo, sfrutta con intelligenza ogni nuvola, ogni refolo di nebbia delle grigie brughiere inglesi per evidenziare le atmosfere sinistre e l’aspetto gotico che percorrono fra le righe tutto il romanzo, con le musiche dello specialista Dario Marianelli a fornirgli l’adeguato supporto. A completare il quadro di un adattamento che riesce nell’impresa di risultare fedele alla fonte e al tempo stesso “nuovo”, infine, è la ventiduenne australiana Mia Wasikowska nei panni dell’eroina del titolo. Con il carismatico Michael Fassbender (Rochester) come sua adeguata controparte, la Wasikowska incarna alla perfezione le due anime di Jane, la sua parte timorosa e modesta e quella orgogliosa e anelante libertà, con un’interpretazione mai forzata ma attenta ai dettagli e ai sottili cambiamenti nelle emozioni del personaggio. La sua Jane colpisce fin dal folgorante incipit del film, quando sferzata dalla pioggia e dal vento dei sentimenti fugge con il cuore spezzato da Thornfield Hall, con solo un’incrollabile forza di volontà mista a disperazione a sostenerla: e sappiamo da subito che questa “dolce e strana creatura quasi ultraterrena” farà nuovamente breccia nel nostro animo.

Dopo aver perso la moglie, carbonizzata in un tragico incidente, il chirurgo plastico Robert Ledgard (un sorprendente e redivivo Antonio Banderas) diviene ossessionato dall’idea di creare un tessuto epidermico in grado di resistere a qualunque tipo di alterazione. Per questo conduce, nella sua clinica privata al riparo dagli occhi della comunità scientifica, esperimenti che sfidano i principi della bioetica e non solo: nel suo intento abbandonerà ogni scrupolo morale, accecato da un amore folle e da un perverso desiderio di vendetta. Non vogliamo svelare troppo della trama dell’ultimo Almodòvar, in concorso a Cannes e tratto dal romanzo Tarantola di Thierry Jonquet, anche se potete facilmente immaginare che ci troviamo davanti alla narrazione complessa e all’ambigua rete di intrighi, sentimenti forti e personaggi estremi tipica del regista spagnolo, e declinata al solito tra desiderio, tradimento, morte, ossessione, pazzia, identità sessuale e via discorrendo. Dove La pelle che abito riesce, a mio parere, è proprio nella creazione di una nuova pelle: una elegante e sofisticata patina di inquietudine orrorifica, sottolineata dalle splendide musiche di Alberto Iglesias e dalla fotografia di José Luis Alcaine, e che contiene, in realtà, le forme del melodramma tanto caro ad Almodòvar (il suo scienziato impazzito per amore altro non è che una rivisitazione di un motivo hollywoodiano piuttosto classico). E’ singolare provare tanta repulsione di fronte a un film dove non scorre (quasi) una goccia di sangue, e il coraggio di Almodòvar nel tentare la via dell’ibrido horror è da lodare. Dove però il film fallisce, purtroppo, è nel sacrificare troppo al trionfo della forma: qualche brusco passaggio narrativo (inclusi un finale un po’ così e uno spiegone affidato ad una altrimenti ottima Marisa Paredes) e una generale vuotezza e pochezza emotiva influiscono sulla riuscita dell’opera, come se ad Almodòvar interessasse più la messa in scena della propria abilità che non lo svelamento delle tensioni tra i personaggi.

Ricordiamo tutti il cult di Franklin J. Schaffner del 1968, in cui l’astronauta Charlton Heston si trovava alle prese con scimmie evolute al punto di soggiogare l’intera razza umana. Dopo 4 seguiti e un remake (di Tim Burton, francamente inguardabile), gli dèi di Hollywood hanno ritenuto che fosse il momento giusto per una nuova aggiunta alla saga de Il Pianeta delle Scimmie, e hanno optato per una via di mezzo tra un prequel e un reboot. Il nuovo capitolo, affidato al regista inglese Rupert Wyatt, narra le premesse che hanno portato all’evoluzione e alla ribellione delle scimmie, ma non si preoccupa più di tanto di riallacciarsi pedissequamente all’originale (rispetto al quale sono presenti comunque un paio di riferimenti che non sfuggiranno ai fan) quanto di porre le fondamenta per una nuova saga reinventata. Il risultato è sorprendente: dinamico, coinvolgente, attento ad evitare sia i sentimentalismi inutili che gli esagerati dispiegamenti di effettoni à la Michael Bay, L’Alba del Pianeta delle Scimmie è decisamente un buon blockbuster. Wyatt evita abilmente il trappolone generato dall’ineluttabilità del finale (conoscendo la saga, sappiamo già cosa aspettarci) concentrandosi sui dilemmi etici e sull’epica tragica della storia, con una scelta vincente: il graduale e calcolato spostamento del focus narrativo dal giovane scienziato Will Rodman (James Franco, un po’ spaesato), che per primo sperimenta sulle scimmie il virus che le renderà più evolute, allo scimpanzè geneticamente mutato Cesare, che da cucciolo più intelligente della media si trasforma in carismatico leader dei primati. Tu chiamala se vuoi performance capture, ma il personaggio di Cesare è uno dei più intensi visti sullo schermo quest’anno: merito del connubio tra gli artisti della Weta Digital (chapeau) e la straordinaria interpretazione di Andy Serkis, eccezionale nei movimenti, nella mimica e negli sguardi, capace di spaventare, commuovere e affascinare. Non resta che sperare che i già programmati seguiti non buttino all’aria quanto di buono visto finora.