(Jim Sheridan – USA 2009)

In sintesi: lui parte per la guerra, lei rimane sola con bambine, lui viene dato morto in battaglia, lei si conforta molto castamente col fratello di lui, lui torna cambiato e lacerato dall’esperienza vissuta. Visti la semplicità della trama e il tocco intimista del regista (Jim Sheridan, suoi Nel Nome Del Padre e In America), ci si aspetta una certa densità di contenuti, un’assoluta intensità di interpretazione… che non ci sono. Il dolore di Natalie Portman è elaborato in fretta, l’evoluzione del fratello Jake Gyllenhall molto repentino, resta solo la psicosi di Tobey Maguire ad affascinare; tuttavia per un film che si intitola Fratelli l’Afghanistan è forse la parte meno rilevante. Resta da chiedersi: dove le trova sempre Jim Sheridan delle bambine così adorabili?

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(Ken Loach – UK 2009)

Sdoganiamo gli amici immaginari: non bastano, ma aiutano. In questo caso abbiamo un “immaginato” d’eccezione, il calciatore Eric Cantonà, ad aiutare il protagonista omonimo a re-incollare pezzo per pezzo i cocci della sua vita. Dopo un incontro che scopre antiche ferite e un bel po’ di marjuana, ecco comparire il campione del calcio a dare consigli sotto forma di proverbi. Mi rendo conto che le premesse non sono delle migliori, e in effetti la storia in più riprese si accascia sulla noia; tuttavia la semplicità dei personaggi (affatto semplicistici), il realismo nel descrivere i contorni di un uomo finito che vuole tornare ad essere felice salvano il film dal dimenticatoio e ci regalano un finale vittorioso che strappa più di una risata. Non un capolavoro per gli standard di Ken Loach, ma una perdonabile diversione.

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(Duncan Jones – Gran Bretagna 2009)

L’impegno di marketing su questo film mi è parso rasentare il nulla, e spesso è un segnale positivo: senza grandi nomi, grossi budget o temi scottanti, se la pellicola viene distribuita internazionalmente significa che del buono ci dev’essere. Moon è davvero un bel film di fantascienza che non ha bisogno di troppi effetti speciali se non per rendere credibili lo scenario lunare e i multipli di Sam Rockwell – attore dotato che spesso sparisce ma quando riappare, buca lo schermo per bravura. Non solo: in maniera subliminale lancia un monito contro i possibili sviluppi della manipolazione genetica. Ha superato ampiamente ogni mia aspettativa/previsione. Temevo la noia stile remake di Solaris, e così non è stato. Pensavo che il computer, con la voce di Kevin Spacey, avrebbe avuto la solita parte del cattivone, e così non è stato. Ero pronto per esplosioni, cataclismi, sparatorie stellari: niente. Eppure avvince, complice la bella colonna sonora di Clint Mansell.

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(Documentario – Matt Tyrnauer, 2008 USA)

“I love beauty, it’s not my fault”. Per due anni Matt Tyrnauer, giornalista di Vanity Fair all’esordio dietro la macchina da presa, ha seguito il leggendario stilista Valentino Garavani documentando i mesi antecedenti all’epocale passaggio di consegne che ha sancito il ritiro del nostro e la trasformazione dell’impero della moda da sorta di “bottega” rinascimentale a holding internazionale. Il tono è lirico, accattivante, inevitabilmente – e a volte eccessivamente – celebrativo; le immagini patinate come fossero uscite da una rivista di moda, e si sconta anche una certa lunghezza nel racconto. A salvare il documentario di Tyrnauer è l’irresistibile dialettica tra Valentino e l’amico, socio ed ex amante Giancarlo Giammetti, che per 45 anni ha lavorato nell’ombra per permettere allo stilista di occuparsi solo ed esclusivamente di ciò che sa fare meglio: la ricerca della bellezza. E’ anche e soprattutto dal confronto fra i due caratteri che comprendiamo meglio la figura di una delle icone degli ultimi cinquant’anni. Valentino, imperatore spodestato, come l’ultimo vero esteta: “Après moi, le déluge”.

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(Michael Mann, USA 2009)

Primi anni ‘30: il fascinoso John Dillinger, maestro delle rapine in banca, viene identificato dal fresco direttore dell’FBI John Edgar Hoover  come “nemico pubblico numero 1“. Sono gli anni della famosa guerra al crimine e ai gangster come Dillinger, “Baby Face” Nelson e Pretty Boy Floyd: a dar loro la caccia uno stuolo di agenti guidati dall’ambizioso e caparbio Melvin Purvis. Sulle scorribande di Dillinger (Johnny Depp) e la caccia all’uomo di Purvis (Christian Bale) si concentra Nemico Pubblico, ultima fatica di Michael Mann. Cineasta eccellente, Mann realizza un gangster movie  secondo i propri canoni, con una fotografia fredda, gran dispiego di maestria tecnica e un ritmo incalzante che ben rispecchia il vivere senza tregua dei protagonisti.  Ciò che manca, purtroppo, e che rende il film di Mann un’occasione mancata, è una scrittura adeguata che caratterizzi in profondità i personaggi e l’epoca in cui sono ambientate le vicende; a risentirne più di tutti il Purvis di Bale,  nemesi anonima e senza mordente, ma anche diversi aspetti della personalità di Dillinger vengono tralasciati: su tutti quello forse più interessante, ovvero la grande considerazione di cui il gangster godeva presso l’opinione pubblica (elemento solo accennato). Nemmeno la performance di Depp, il volto perennemente solcato da un ghigno sarcastico che pare essere divenuto il suo marchio di fabbrica, riesce a far decollare il film; mentre risplende la bellissima Marion Cotillard, nel ruolo della fiamma di Dillinger.

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(Kevin Tancharoen, USA 2009)

Per favore, impiegate i vostri soldi in altro modo. O andate a farvi una passeggiata, piuttosto. O al limite, andate a recuperare l’originale cult di Alan Parker.

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(Quentin Tarantino, USA-Germania 2009)

Quentin Tarantino: love him or hate him, ma riesce sempre e comunque a far parlare di sè. Dopo il flop di A prova di morte, con Inglourious Basterds (il misspelling del titolo è voluto) Tarantino riguadagna innanzitutto il favore del box office, segnando il maggior incasso personale dai tempi di Pulp Fiction. Merito forse anche del “traino” garantito da una star come Brad Pitt, ma poco importa: a conti fatti, vince lui. C’erano una volta, nella Francia occupata dai nazisti, i “bastardi” yankee del tenente Aldo Raine, detto l’Apache: dopo aver seminato il terrore tra i crucchi, vengono incaricati di eliminare i vertici del partito nazionalsocialista riunitisi a Parigi per un’occasione mondana. I loro destini si incroceranno con quelli di Shosanna, ebrea francese sfuggita al massacro della propria famiglia, fino a una conclusione che riscrive la Storia. Per quanto mi riguarda, la guerra secondo Tarantino – ispirata a un vecchio film di Enzo G. Castellari – non convince fino in fondo per l’eccessiva lunghezza e l’approssimazione dei (troppi) personaggi, nonchè la mancanza di momenti e dialoghi davvero “memorabili” nel senso tarantiniano del termine. Ciò nonostante, il film si mantiene di buon livello, è divertente e ben girato, segno che forse Tarantino è uscito dalla sua fase di “crisi creativa” anche se è lontano dalla sua forma migliore. Gran parte del merito va al cast: praticamente perfetto (qualche riserva solo per Eli Roth), dal viscido colonnello delle SS Christoph Waltz alla star del cinema tedesco Diane Kruger, fino a Brad Pitt (Raine), Melanie Laurent (Shosanna) e il “bastardo” Til Schweiger. Chapeau, infine, davanti alla metafora finale e all’encomiabile lavoro sulle lingue, motivo per cui è caldamente consigliato cercare una di quelle sale che, su esplicita richiesta del regista stesso, proiettano il film in versione originale sottotitolata.

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(Neill Blomkamp, USA 2009)

Senza timore di esagerare posso dire che District 9 è, oltre che una splendida sorpresa, uno dei film migliori di questo inizio di stagione. Prodotto dal lungimirante Peter Jackson, a cui dobbiamo la scoperta del giovane e talentuoso regista sudafricano Neil Blomkamp, District 9 è una grande metafora cinematografica che si serve della fantascienza per parlare del tema del rapporto con la diversità. Si immagina che, negli anni ‘80, una astronave aliena si sia fermata esattamente sopra la città di Johannesburg. Debilitati e per qualche motivo non in grado di ripartire, i suoi occupanti vengono trasferiti in una sorta di ghetto/baraccopoli alle porte della città. E’ l’inizio di una difficile convivenza, un drammatico scontro di civilità che raggiunge il culmine quando alla MNU, multinazionale privata e militarizzata, viene affidato il compito di spostare le centinaia di migliaia di alieni in un altro campo di accoglienza. Impossibile, per gli spettatori, non pensare all’apartheid o, per noi italiani, a fatti che ci riguardano ancora più da vicino. Blomkamp dirige un film praticamente perfetto, inframmezzato di momenti documentaristici e in stile reportage, ricco di tensione e riferimenti ad esempi “alti” del genere da Cameron a Cronenberg, con effetti speciali limitati all’essenziale e appassionanti vicende umano-aliene. Da non perdere!

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(Sam Raimi, USA 2009)

Lasciatevelo dire da una che dichiaratamente non ama l’horror: il ritorno di Sam Raimi al cinema di genere, all’horror grottesco , quasi comico e low-budget della saga Evil Dead, è una vera ventata d’aria fresca. Con Drag me to hell, storia di una immacolata impiegata di banca (Alison Lohman) che sperando in un avanzamento di carriera nega un prestito a una vecchia gitana subendone poi la tremenda vendetta, Raimi fa letteralmente faville. Come nei classici del genere negli anni ‘70, la morale e il sottotesto politico ed economico sono fondamentali e facilmente riconoscibili: quale pena è più azzeccata, per i responsabili del crack finanziario, dell’essere trascinati all’inferno? Le disavventure della povera Christine vengono raccontate da Raimi in un film con i controfiocchi, energico, ricco di quell’ironia dark che contraddistingue l’autore, e che non si fa mancare tutto il campionario del genere: zingari, maledizioni, amuleti e spaventi a volontà. Insomma, dopo un film del genere, quasi dispiace che Raimi sia già all’opera su Spiderman 4…

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(Anne Fletcher, USA 2009)

Dalla regista di 27 volte in bianco, ennesima commedia romantica-battaglia fra sessi: lei manager rampante e spietata di una casa editrice, lui aspirante scrittore che sacrifica le proprie ambizioni accontentandosi di essere il segretario vessato dalla suddetta. A portarli in rotta di collisione la necessità di lei, canadese a rischio rimpatrio, di trovarsi un marito americano. Come da copione, i due si odiano, ma la convivenza forzata durante un weekend a casa dei genitori di lui in Alaska porterà delle sorprese. Con la spada di Damocle del “trito e ritrito” sulla testa, la Fletcher riesce inaspettatamente, ispirandosi ai dettami delle screwball comedy degli anni ‘40, a portare a casa un risultato dignitoso: i siparietti sono gustosi, alcune gag esilaranti, e i protagonisti Bullock (rilanciata) e Reynolds (una conferma) in gran forma.

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