Campagne del Devon, Inghilterra, appena prima dello scoppio della Prima Guerra Mondiale. Un profondo legame affettivo si sviluppa fra Albert Narracott, figlio di contadini, e Joey, indomito purosangue acquistato dal padre di Albert con l’intento di impiegarlo per arare i terreni concessi alla famiglia da un signorotto locale. Nonostante l’indole e la struttura fisica di Joey sembrino poco adatti ad uno sforzo di quel genere, Albert vince la fiducia e la collaborazione dell’animale, dal quale diviene inseparabile; ma al divampare del conflitto, la famiglia Narracott è costretta a privarsi di Joey, che viene venduto all’esercito britannico ed assegnato ad un giovane ufficiale in partenza per la Francia. Di lì a poco, anche Albert si arruolerà, senza mai abbandonare la speranza di ritrovare l’amico. Racconto per bambini nato nel 1982 dalla penna di Michael Morpurgo, dopo un acclamato adattamento teatrale War Horse arriva sul grande schermo nelle vesti di epica saga per famiglie firmata da Steven Spielberg, maestro indiscusso del genere. Tecnicamente superbo, con sprazzi di grande cinema orgogliosamente “classico”, tra una sequenza spettacolare e l’altra – pazzesca quella della furiosa cavalcata di Joey fra le trincee – War Horse dà ampie possibilità al buon vecchio Spielberg di indugiare su alcuni temi a lui cari (l’amicizia, l’incomunicabilità), di glorificare un eroismo d’altri tempi e incorniciare inaspettati afflati d’umanità nell’orrore della guerra. La confezione, però, è fin troppo forzatamente zuccherosa per colpire davvero al cuore; sentimentale, senza emozionare davvero. Basti pensare a quanto poco sia lasciato al lavoro degli attori, fra cui ricordiamo l’anziano contadino francese Niels Arestrup, Emily Watson e Peter Mullan nei panni dei coniugi Narracott e gli ufficiali inglesi Tom Hiddleston e Benedict Cumberbatch: nessun ispirato monologo o intenso primo piano ci dice molto più di quanto già non faccia la strategicamente invasiva colonna sonora di John Williams. Personalmente, ho preferito il trionfo dell’immaginazione e l’entusiasmo contagioso dispiegati nel pur imperfetto Le avventure di Tintin; lo Spielberg di War Horse, pur confermando il suo ineguagliabile talento nel raccontare storie per immagini, si dilunga, diviene didascalico e sovraccarica ogni situazione togliendo allo spettatore ogni possibilità interpretativa. Poteva essere un grande film di guerra, o un grande melodramma di quelli che “non ne fanno più di film così”: il risultato è una via di mezzo, con la sensazione di un’occasione sprecata.

(Moneyball, Bennet Miller, USA 2011)

Moneyball è un film che ha del miracoloso. Passato di mano più volte (il draft finale è attribuito ai premi Oscar Steve Zaillian e Aaron Sorkin, che hanno in realtà contribuito in fasi diverse riscrivendosi l’uno con l’altro), con riprese rinviate e registi sostituiti, trova la sua forma finale con Bennett Miller (Capote) al timone, e Brad Pitt produttore e protagonista. Alle difficoltà di lavorazione aggiungiamo il tema decisamente ostico: per farla semplice, moneyball è il termine con cui gli addetti ai lavori fanno riferimento alla sabermetrica, l’approccio matematico-statistico all’analisi del baseball teorizzato da Bill James negli anni ’70-’80. Il film è la storia di Billy Beane (Pitt), manager degli Oakland Athletics costretto, dopo aver perso tre dei suoi assi, ad assemblare una squadra competitiva con un budget limitatissimo. Con il supporto di Peter Brandt, brillante laureato in economia, Beane ha l’intuizione di applicare la sabermetrica alla gestione della sua squadra, utilizzando dati statistici per capire quali giocatori possano essergli più utili. I suoi metodi provocano un terremoto: l’allenatore gli rema contro, gli scout (“eminenze grigie” di ogni società di baseball) si sentono esautorati, i risultati tardano ad arrivare e i media gli stanno col fiato sul collo. Beane è conscio di essere il primo a cercare di piegare le regole di un gioco pluricentenario, elemento imprescindibile della cultura popolare americana con le sue tradizioni, le espressioni mutuate nella lingua comune, i suoi eroi che spesso sono dei loser proprio come lui, passato dietro la scrivania dopo aver “steccato” le sue chances nella Major League. Proprio il motivo dell’underdog è il primo elemento di fascinazione di Moneyball: ci identifichiamo facilmente con un personaggio che vuole fare qualcosa che gli altri vogliono impedirgli di fare, e lo sport è un’ottima metafora. Ma c’è un “di più”. Non si punta sulla lacrima facile o sui discorsi ispirati; in effetti, Moneyball è probabilmente il film sportivo meno sentimentale che abbia mai visto. Ma è anche il più intelligente, dettagliato e acuto; è entusiasmante, divertente, ben ritmato, attento a concedere il giusto ai topoi del genere ma anche ad allontanarsene – ed è qui che accade il miracolo, con la fusione degli stili di scrittura di Zaillian (Schindler’s List) e Sorkin (The Social Network) e l’abilità registica di Bennett Miller. Il meccanismo è perfetto, e a fare da perno c’è una delle migliori interpretazioni della carriera di Brad Pitt, chiamato a dar vita a un personaggio complesso, imprevedibile, quasi donchisciottesco, pieno di tic nervosi (mangia in continuazione) e di scaramanzie (non guarda mai le partite). Una bella sfida che il buon Brad affronta in maniera eccezionale per carisma, ironia e precisione. Con lui nel cast Philip Seymour Hoffman, impagabile nel ruolo del testardo coach Howe, e Chris Pratt (Parks & Recreation) alias il prima base Scott Hatteberg, fulcro della strategia di Beane; ma la vera rivelazione è la crescita artistica di Jonah Hill (Peter Brandt), da “ingombrante” presenza comica a interprete efficace e sottile. Quello con Pitt è un duetto sensazionale, vibrante di chimica genuina (con l’effervescenza dell’uno a far da contraltare all’impassibilità dell’altro) e profonda comprensione del personaggio da parte di entrambi gli interpreti, premiati con la nomination all’Oscar (sono 6 in totale, incluse miglior film e sceneggiatura). “L’arte di vincere in un gioco ingiusto”, è il sottotitolo del libro di Michael Lewis da cui sono tratta le vicende di Moneyball: come anticipavo, lo sport qui è solo una metafora. Moneyball è una sfida nella sfida: l’intelligenza e la competitività ossessiva di Beane per scardinare un sistema talmente rigido da essere definito “medievale”, e la freschezza dell’approccio di Pitt e soci per rendere entusiasmanti Billy Beane e la sabermetrica anche per chi non capisce un’acca di baseball. Per quanto mi riguarda, missione abbondantemente compiuta.

(The Muppets, James Bobin, USA 2011)

Dopo tredici anni (I Muppets venuti dallo spazio, 1999) ritornano sul grande schermo gli adorabili pupazzi creati dal leggendario Jim Henson: e lasciatemelo dire, è un ritorno trionfale. Al timone c’è James Bobin, uno dei creatori della serie HBO Flight of the Conchords; la storia da raccontare è quella dei fratelli Gary (Jason Segel) e Walter (pupazzo in crisi d’identità), che dalla fittizia cittadina di Smalltown finiscono a Los Angeles, coinvolti in una corsa contro il tempo per salvare gli storici Muppet Studios dalla demolizione ad opera di un petroliere senza scrupoli. Al loro fianco, tutti i volti noti del Muppet Show, da Kermit a Miss Piggy, da Animal a Gonzo, e una galleria interminabile di talenti comici di vecchia e nuova generazione accorsi ad omaggiare i nostri eroi, a partire da Jack Black e Rashida Jones (ma vi lascerò “scoprire” le tante guest stars). E per una volta, invece dell’ennesima baracconata, abbiamo un mix perfetto: sceneggiatura – ad opera dello stesso Segel e di Nicholas Stoller – fresca e divertente, un’ondata di contagiosa ilarità; classica comicità slapstick farcita di citazioni pop; trionfo di buoni sentimenti ed estetica disneyana; coinvolgenti numeri musicali e attori perfetti nei tempi comici e nell’interazione con i pupazzi, dal tuttofare Segel (How I Met Your Mother, Non mi scaricare) ad Amy Adams (ricordate il delizioso Come d’Incanto?) fino al villain, il premio Oscar Chris Cooper. Intrattenimento popolare nel senso migliore del termine, che mette al bando il cinismo e invita a sognare e a riscoprire il bambino che è dentro di noi.

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(Phyllida Lloyd – UK/Francia 2012)

Santa Meryl. Una delle poche attrici che danno la sicurezza di andare a vedere un buon film. Anche nei casi più tragici come The Iron Lady, in cui l’unica cosa che valga la pena è proprio la sua perfetta interpretazione. La Storia inglese, fatta di orgoglio nazionale, di tradizioni ma anche di grandi cambiamenti, si presta molto a essere trasposta al cinema: un esempio emblematico è stato il premiatissimo The Queen. Ecco, io mi aspettavo una roba così. Il racconto di una donna fiera a capo di un Paese fiero nel mezzo di tumulti popolari. No. Mi sono trovato davanti a una vecchia rimbambita che parla da sola, ha le allucinazioni e quando tocca un soprammobile si ricorda del tempo che fu. Memorie giustapposte con un montaggio perfino peggiore di J. Edgar, e troppo brevi nel loro svolgimento per dare il giusto respiro al biopic. Non solo la regista (di Mamma Mia!, forse è meglio che torni alle commedie) non dà un giudizio sul personaggio (cosa che gradisco nei film, quelli neutri mi lasciano spesso interdetto) ma non approfondisce nemmeno la sua psicologia (la scena della sua prima giornata in parlamento: era contenta di lasciare i figli? Era triste? Cosa pensava? BOH). Meryl, non puoi fare tutto da sola…

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(Brad Bird – USA 2012)

Quando si dice: il regista fa la differenza. Sì perché dopo 3 ottimi capitoli della saga di Ethan Hunt molto diversi tra loro (io salvo anche il secondo, di John Woo), come poteva rinnovarsi la saga senza ripetersi? Risposta: con un altro cambio di registro-regista. In Ghost Protocol si ride. E parecchio. Perché in fondo anche ai migliori agenti capitano gli imprevisti e in questo film c’è poco che fila liscio. E i tempi perfettamente calcolati tra azione e risata, esplosioni e battute, fanno della regia di Brad Bird (ha diretto Gli Incredibili e Ratatouille) la chiave di riuscita del quarto episodio. Premesso che comunque la storia tiene (Ethan e soci vengono disconosciuti dagli Stati Uniti e per salvare il mondo da una minaccia nucleare sono costretti a cavarsela da soli), le location sono favolose (la Disneyland araba – aka Dubai – si adatta perfettamente) e i personaggi ben caratterizzati (Simon Pegg, spalla comica, su tutti). Se proprio vogliamo trovargli un difetto, è la mancanza di un vero villain. Se il M:I 3 di J.J. Abrams si reggeva prorio su Philip Seymour Hoffman come super cattivo, Michael Nyqvist (altro prestito all’industria cinematografica americana dopo Noomi Rapace da Millenium) non ha spazio per emergere e pare serva solo a proteggere una valigetta. Che sia colpa del buonisimo della Disney (-> Pixar)?

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(Chris Gorak – USA/Russia 2011)

L’Ora Nera ha un suo fascino. Sarà per gli scorci di una Mosca bellissima e deserta (le metropoli disabitate danno sempre un brivido, pensate alla scena finale de L’Avvocato Del Diavolo o a Io Sono Leggenda), sarà per il concept dell’alieno rappresentato come un grumo di luce, sarà per la questione delle lampadine che si accendono in presenza dell’invasore: premesse accattivanti per un action movie fantascientifico. Anche il gruppo di sopravvissuti funziona: i migliori amici (Hirsch, Minghella), le migliori amiche (Thirlby e Taylor) e uno svedese cattivo che si capisce subito debba morire per primo. Il film si tiene in piedi piuttosto bene finché non c’è uno scopo. Poi arriva uno scienziato russo che ha scoperto che con una gabbia di Faraday (wikipedia) è possibile scampare al radar alieno. Da qui le congetture scientifiche, la fisica for dummies e degli improbabili cannoni  fai-da-te spara microonde lanciano la trama nell’infinito nonsense. Gli alieni non fanno più paura (e quando non sono luce sono fatti anche malino), i russi sembrano un popolo di bifolchi e lo scopo della missione (trovare un sottomarino) non mi è parso particolarmente intelligente. Sei e mezzo per l’impegno e la presenza di Emile Hirsch che merita sempre fiducia. Il finale sembra aperto… ma un seguito proprio non lo capirei.

(Lone Scherfig – USA/UK 2011)

Non tutte le buone idee che fanno di un romanzo una lettura imperdibile riescono col buco, cinematograficamente parlando: in questo caso è il raccontare lo stesso giorno (il 15 luglio) nel corso degli anni dei due protagonisti. Con una struttura a “episodi” mi viene in mente La Moglie Dell’Uomo Che Viaggiava nel Tempo: profusione di lacrime per un’avvincente storia impossibile il libro, il film sfiora invece il ridicolo. Pur non avendo letto Un Giorno di Nicholls (ce l’ho il lingua originale sullo scaffale, intonso: vale comunque?), ne ho sentito tanto parlare. Bene, io che mi sono commosso persino con La Casa Sul Lago Del Tempo non ho versato neanche una lacrima. Anzi, l’ho trovato quasi fastidioso. Voglio dire, la Hathaway e  Sturgess si amano da sempre ma da sempre c’è qualcosa fra di loro e si rimbalzano di anno in anno fingendosi amici. Ogni santa volta. Da semplici incompresioni ai drammi della vita. Allora dico: ma ascoltare i segni? Incapponirsi porta sempre a conseguenze nefaste pur quando si conquista finalmente l’obiettivo. Ecco appunto. Probabilmente il romanzo riesce a dare a questa storia semplice, comune, fatta di quotidianità e di problemi quel giusto allure di romanticismo. La regista di An Education lascia in bocca un vago sapore di triste compatimento. E uno spoiler come ultimo appunto: Meg Ryan e i suoi giri in bicicletta non vi hanno insegnato nulla?

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(Tinker Tailor Soldier Spy, Thomas Alfredson, Gran Bretagna 2011)

Una tendenza andata rafforzandosi negli ultimi anni è quella di considerare le spy stories quasi un sottogenere del film d’azione: pensiamo a Mission: Impossible, alla saga di Jason Bourne, o al classico 007 che con tutta la sua eleganza british non può sottrarsi ad esplosioni, inseguimenti, scazzottate. Se invece conoscete i film tratti dai romanzi di John Le Carrè (a memoria cito almeno Il sarto di Panama, The Constant Gardener, La spia che venne dal freddo) avrete senz’altro presente anche il lato meno entusiasmante del lavoro della spia: lunghe e noiose ore a sfogliare scartoffie, registrare telefonate, decifrare codici e raccogliere informazioni… il che forse spiega perchè questi film, per quanto ben riusciti, hanno avuto meno successo di pubblico rispetto a quelli, più glamour e movimentati, ispirati ai lavori di Fleming o Ludlum. Ma non lasciatevi intimorire: vi perdereste davvero un pezzo di bravura se non andaste a vedere La Talpa, che riunisce dietro la macchina da presa il regista svedese Thomas Alfredson e il suo direttore della fotografia Hoyte von Hoytema, ai quali dobbiamo già lo splendido Lasciami Entrare. Al centro delle vicende troviamo George Smiley, personaggio ricorrente dei romanzi di Le Carrè: un tempo eminenza grigia del Circus (nomignolo che indica i piani alti dei servizi segreti inglesi), Smiley è costretto a dimettersi assieme al “grande capo” Controllo in seguito al fallimento di un’operazione in Ungheria, salvo venir richiamato in servizio per smascherare un agente doppiogiochista al soldo dei sovietici. Siamo negli anni ’70, nell’ultima decade della Guerra Fredda; Smiley non può fidarsi degli ex colleghi e deve avvalersi unicamente del proprio ingegno e dell’aiuto del braccio destro Peter Guillam per scoprire l’identità del traditore e combattere i fantasmi del proprio passato. Senza timori reverenziali nei confronti dell’amatissima miniserie di produzione BBC con Sir Alec Guinness, Alfredson confeziona un intenso e sofisticato spy thriller, riducendo all’essenziale il complicato romanzo di Le Carrè (ma il plot resta densissimo – occhio ai colpi di scena!) e confermando lo sguardo elegante, suggestivo e penetrante già mostrato nel suo film d’esordio. Celato dietro al caratteristico impermeabile e agli immancabili fondi di bottiglia, Gary Oldman giganteggia nel ruolo di Smiley: acuto, solenne, per lo più impassibile, laconico e misurato nei gesti, nelle espressioni e nelle parole, Oldman si veste del suo personaggio come di una seconda pelle, reinventandosi ancora una volta e confermandosi come uno degli attori più sottovalutati dei nostri tempi. Ad affiancarlo, una eccezionale schiera di comprimari: c’è l’imbarazzo della scelta tra il premio Oscar Colin Firth, Ciàran Hinds, Toby Jones, Mark Strong e John Hurt, ma a spiccare trovo che siano Benedict Cumberbatch e Tom Hardy. Il primo, amatissimo Sherlock televisivo, dà vita ad un Guillam tormentato tra l’incrollabile fiducia in Smiley e le implicazioni morali del suo compito; il secondo, sulla via della consacrazione, tratteggia con abilità il lato più fragile dell’ambiguo Ricki Tarr, motore della storia. Ma protagonista del film, quanto e forse più degli stessi personaggi, sembra essere – letteralmente – l’atmosfera orchestrata da Alfredson e i suoi collaboratori: La Talpa “vive” del ticchettio delle macchine da scrivere, del fruscio dei documenti, del grigiore londinese, del fumo, della polvere sui mobili, del frusciare dei vestiti, della opprimente geometria degli ambienti; ricchezza e perfezione visiva (e sonora: impeccabili le composizioni di Alberto Iglesias) a corollario di intrighi criptici ed ideali smarriti, finestra su un mondo in decadenza (stava per iniziare la graduale distensione tra Occidente ed Unione Sovietica) di cui i “piccoli uomini grigi” di Le Carrè sono gli ultimi baluardi.

(Clint Eastwood, USA 2011)

Gioite! Anche gli americani hanno il loro cinepanettone. Noi cambiamo le località, loro le festività (quest’anno il 31 dicembre, l’anno scorso fu S. Valentino); entrambi mescoliamo alla buona giovani attori e star decadenti alla caccia di un buon assegno; zero risate, zero trama, mille personaggi, filo conduttore risibile.. però loro se non altro evitano le volgarità (a meno che si possa ritenere volgare la partecipazione a questo genere di film da parte di gente come Robert De Niro e Michelle Pfeiffer – aha!). Votato al product placement più che all’intrattenimento, Capodanno a New York è un perfetto esempio della valenza negativa della parola Hollywood. Ci sarebbe di che aver paura per il futuro; per fortuna che il 4 luglio e il “giorno della marmotta” sono già presi…